La Piedad de Miguel Ángel

La Piedad es una de las obras más conocidas y representativas de la trayectoria artística de Miguel Ángel el gran artista del Renacimiento italiano. Fue realizada entre los años 1498 y 1499 cuando tan solo contaba con 24 años de edad. Además de su extraordinaria belleza cuenta con una pecualiaridad: fue la única obra firmada por el genio italiano ¿Por qué?

La obra fue encargada por el cardenal Jean Bilhères de Lagraulas o de Villiers, embajador del monarca francés ante la Santa Sede. El contrato entre el artista y el cliente, firmado el 26 de agosto de 1498, estipulaba su precio, 450 ducados de oro, y una condición el que tendría que estar acaba antes de un año. El artista cumplió terminándola dos días antes de cumplirse el plazo, pero quien la encargó nunca la vio por haber muerto unos días antes.

Ésta fue una de sus primeras obras, pero a lo largo de la vida del artista realizará una enorme cantidad de obras maestras con la peculiaridad que ninguna, excepto La Piedad estaba firmada. Vasari nos da su versión.

Según cuenta, finalizada la obra el joven escultor quiso saber que opinaban quienes la contemplaban y, para ello, se unió a unos curiosos que merodeaban por la Basílica De San Pedro y se quedo sorprendido al oír “Sin duda esta magnifica obra no tiene más autor que el milanés Gobbo”. Tal fue el enfado de Miguel Ángel, que por la noche se coló en el templo provisto de un martillo y un buril y a la luz de las velas esculpió en el pecho de la virgen: “MICHAEL ÁNGELUS BONAROTUS FLORENT FACIENBAT”, es decir, “Miguel Ángel Buonarotti, el florentino, lo hizo”.

David de Miguel Ángel

David de Miguel  Ángel
1501-1504


Está considerada la escultura mejor hecha por el hombre y representa el ideal de belleza masculino. Es perfecta en cuanto a sus proporciones. Su cabeza mide la octava parte del cuerpo y el resto de la escultura, guarda una perfecta armonía. El David original, de estilo renacentista, mide 5 metros de altura, pesa 5,5 toneladas de peso y se encuentra en la Galería de la Academia de Florencia. Esta escultura, que fue realizada entre 1501 y 1504, representa el momento previo antes de que David se enfrente al gigante Goliat. La escultura del Parque Europa, representa a menosr escala todos los detalles de la creación original.

Miguel Ángel

Miguel Ángel
1475-1564

Uno de los mayores creadores de toda la historia del arte y, junto con Leonardo da Vinci, la figura más destacada del renacimiento italiano. En su condición de arquitecto, escultor, pintor y poeta ejerció una enorme influencia tanto en sus contemporáneos como en todo el arte occidental posterior a su época. Nació el 6 de marzo de 1475 en el pequeño pueblo de Caprese, cerca de Arezzo, aunque, en esencia, fue un florentino que mantuvo a lo largo de toda su vida unos profundos lazos con Florencia, su arte y su cultura. Pasó gran parte de su madurez en Roma trabajando en encargos de los sucesivos papas; sin embargo, siempre se preocupó de dejar instrucciones oportunas para ser enterrado en Florencia, como así fue; su cuerpo descansa en la iglesia de Santa Croce. El padre de Miguel Ángel, Ludovico Buonarroti, oficial florentino al servicio de la familia Médicis, colocó a su hijo, con tan sólo 13 años de edad, en el taller del pintor Domenico Ghirlandaio. 


Dos años después se sintió atraído por la escultura en el jardín de San Marcos, lugar al que acudía con frecuencia para estudiar las estatuas antiguas de la colección de los Médicis. Invitado a las reuniones y tertulias que Lorenzo el Magnífico organizaba en el Palacio de los Medici con otros artistas, Miguel Ángel tuvo la oportunidad de conversar con los Médicis más jóvenes, dos de los cuales posteriormente llegaron a ser papas (León X y Clemente VII); conoció también a humanistas de la talla de Marsilio Ficino y a poetas como Angelo Poliziano, habituales visitantes del palacio. Por entonces Miguel Ángel que contaba con 16 años de edad, ya había realizado al menos dos esculturas en relieve, el Combate de los lapitas y los centauros y la Virgen de la Escalera (ambas fechadas en 1489-1492, Casa Buonarroti, Florencia), con las que demostró que ya había alcanzado su personal estilo a tan temprana edad.

La Gioconda

La Gioconda
1503-1506
Obra de Leonardo Da Vinci

Está pintada entre 1503-1506, sobre una delgada tabla de madera de álamo , extraordinariamente frágil . Se conserva en el Museo del Louvre en una urna de cristal a prueba de balas (Hay quien afirma que soportaría el impacto de un misil). Leonardo preparó minuciosamente la tabla , con múltiples capas de enlucido. Dibujó el motivo del cuadro y después aplico el óleo, sabiamente diluido en aceite esencial. Ello le permitió aplicar innumerables capas de pintura en forma de veladuras , con finas pinceladas imperceptibles que magistralmente aplicadas hacen tan real a este cuadro. La técnica se ha dado en llamar "Sfumato" .Consiguiendo un difuminado de los contornos de la figura , jugando con luces y sombras que dotan al personaje de relieve y de misterio. La figura de la modelo adquiere una humana vitalidad, con una inefable expresión en el rostro, que parece observarnos y meditar. Las manos parecen dotadas de movimiento.
El paisaje se pierde en la lejanía, diluyéndose en la nada, como sucede en la observación de la realidad. Esta técnica permite una ejecución perfecta de las carnaduras, gracias al tratamiento refinado de la figura, que está sumida en un claroscuro ambiental.

Tecnica del sfumatto

En el sfumato se sustituyen los contornos y las líneas de dibujo en las figuras por sutiles graduaciones de luz y color, al superponer capas muy finas de pintura en las que se oculta la pincelada. Con ello se consigue que los límites de las formas se vuelvan imprecisos y se completen en la imaginación del espectador.

El sfumato se utiliza para crear ilusiones realistas según el objeto de la representacion :

• En los paisajes se usa el sfumato gradual (contornos más borrosos cuanto más lejos se quiere representar el objeto del observador) para conseguir un efecto atmosférico causado por la bruma y la impresión de lejanía y profundidad de la perspectiva aérea.
• En los retratos se emplea para definir los rasgos de un rostro con un efecto vaporoso y delicado que transmita la sensación de suavidad y emociones acordes como la dulzura
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Leonardo Da Vinci

                                     Leonardo Da Vinci  (1452-1519)

Uno de los exponentes del Renacimiento es Leonardo Da Vinci, pintor, escultor, arquitecto, ingeniero y científico. Fue un personaje que se destacaba por su profunda pasión por el conocimiento y la investigación, claros principios que destacaban su obra. Se constituyó en un claro innovador en el campo de la pintura dando lugar a la evolución del arte italiano durante mas de un siglo después de su muerte. Por otra parte, también se destacó en el campo de la ciencia, sus investigaciones en las áreas de anatomía, óptica e hidráulica, anticiparon muchos avances de la ciencia moderna.

La Escuela De Atenas

      

Titulo: Escuela de Atenas

 Epoca:1509-10 

Autor: Rafaello de Sanzio 

Museo: Estancias Vaticanas 

Características: Fresco 

Estilo: Renacimiento Italiano

La pintura de Rafael alcanza un grado sublime en esta obra, posiblemente la más famosa. Cuando el espectador contempla el fresco se introduce en el mundo clásico y aprecia el movimiento de los diversos personajes pintados, obteniendo un insuperable resultado. 

    Rafael ha introducido la escen

a en un templo de inspiración greco-romana, posiblemente siguiendo los proyectos de Bramante para la basílica vaticana, enlazando con la idea del Templo de la Filosofía evocado por Marsilio Ficino. Las figuras se sitúan en un graderío, formando diversos grupos presididos por los dos grandes filósofos clásicos: Platón, levantando el dedo y sosteniendo el "Timeo", y Aristóteles, tendiendo su brazo hacia adelante con la palma de la mano vuelta hacia el suelo con su "Ética" sujeta en el otro brazo, el idealismo y el realismo. Ambos personajes dialogan y avanzan ante un grupo de figuras que forman un pasillo.

El dedo de Platón expresa la orientación final: de la ciencia de los números a la música, de la música a la armonía cósmica, de ésta al orden divino de las ideas.

El Juicio Final

Juicio Final
Miguel Ángel
(1537-1541)

El encargo del Juicio Final se gestara a mediados del año 1533 cuando Clemente VII encargaría a Miguel Ángel  dos frescos en las paredes frontales de la Capilla Sixtina representando el Juicio, en la pared de la capilla donde se encuentra el altar, y la Resurrección, en la pared de enfrente. El fallecimiento de Clemente VII en septiembre de 1534 provocaría un ligero abandono del proyecto que sería recuperado por su sucesor, Paulo III. El 16 de abril de 1535 se empezó a levantar el andamiaje y en enero de 1537 se iniciaba la decoración pictórica siendo descubierta de manera oficial el 31 de octubre de 1541. Desconocemos la razón por la que no se relizó la Resurrección, considerándose que podría deberse a la preferencia del pontífice por la decoración de la Capilla Paulina y la finalización del diseño definitivo para la tumba de Julio II ya que los herederos del Papa estaban exigiendo la mayor rapidez al artista, eximiéndole el propio Paulo III de diversas obligaciones.

El fresco es de enormes dimensiones - 13.70 x 12.20 metros - e incluye casi cuatrocientas figuras de las que se han identificado aproximadamente unas 50. La zona superior de la composición, ocupando más de la mitad de la pared, está ocupada por el mundo celestial presidido por el Cristo juez en el centro de la escena, inicialmente desnudo y en una postura tremendamente escorzada, levantando el brazo derecho en señal de impartir justicia y cierto temor a los resucitados. A su lado hallamos a la Virgen María, rodeadas ambas figuras por un conjunto de santos, apóstoles y patriarcas que constituyen el primer grupo circular. A ambos lados de este grupo central encontramos a diferentes mártires, vírgenes, bienaventurados y Confesores de la Iglesia, formando una segunda corona. En los lunetos superiores aparecen dos grupos de ángeles portando los símbolos de la Pasión: la corona de espinas, la cruz y la columna, ofreciéndonos las más variadas y escorzadas posturas, reforzando la sensación general de movimiento del trabajo. Buonarroti quiso representar de esta manera la salvación de la humanidad a través de la llegada de Cristo en la parte más elevada de la pared. A los pies de Cristo se sitúan dos santos que ocupan un lugar privilegiado: San Lorenzo, portando la parrilla que le simboliza, y San Bartolomé con una piel que alude a su martirio, apreciándose en su rostro un autorretrato del pinto